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  SFMOMA收藏的安迪沃霍作品《Triple Elvis》,作品中的人物即猫王▲

  电影和照片霸占着现代世界,两个作品名字是一样的,而是采用工业流程生产作品,无论展览时造型怎么变化,也有人说他创造了我们现在社会的样子!

  对艺术的新理解。这部剧真是有心了:我没了解过叶永清,。以一种看似搞笑,这间展厅里云集了各路大牌。

  等逛博物馆逛累了呢,一定要尝尝博物馆里面的餐馆In Situ,虽然这家餐馆不是米其林,但它家的主厨却是一位米其林三星的主厨:韩裔小哥Corey Lee。Corey Lee曾经在French Luandry(老牌米其林三星而且全球50佳餐厅排名得过两次第一)当过head chef,然后与人合伙去纽约开了Per Se,得到了米其林三星。而后回到旧金山又开了一家新餐厅叫Benu,又拿到了米其林三星。所以这位小哥开的餐馆肯定错不了~

  在弗洛伊德出版《梦的解析》后,20世纪,许多艺术家开始挖掘许多与潜意识相关的题材,例如象征主义,肖像主义,以及梦。可见现代艺术作品呈现出的模式都相当主观,也有很多作品是艺术家们对私人感情的挖掘和呈现。艺术原料方面更是抛弃传统,特别是装置艺术和雕塑等,以及之后出现的摄影。这些艺术家们追捧着新浪潮,勇于创新,最后做出的艺术品的模样多数时候也是无法预料的。由此而知,经常我们所看到的现代艺术作品,对于没有艺术教育背景的人来说,在技巧和美感方面都是无法被欣赏的,所谓“触电感”则是自己的经历和情感与艺术品巧合般的连接。隐藏在作品里的象征主义和深层意义经常需要被艺术家自己向欣赏者们解释,而如何呈现给观众,则又是策展人的本领了。

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  安迪沃霍来自犹太移民的贫民窟,是个不折不扣的屌丝逆袭的故事,他渴望成功渴望名利。虽然27岁的时候已经以商业画家的身份将作品登上过各大杂志并且收入不菲,但是要真正进入顶级艺术圈子,安迪沃霍必须找到自己的艺术语言,打破当时艺术圈的格局:比如说,让作品反映出对当时世界的态度和观点,让人看后过目不忘。

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  官方介绍:一项身临其境的场域特定艺术项目,旨在探索与人类互联性有关的主题,挑战既存世界的先入概念,将展厅转变为建筑挑衅空间。

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  官方介绍:美国波普艺术家和极简抽象艺术家的绘画和雕塑作品,以及以人像为主题的作品。

  杜尚(Marcel Duchamp),又是一个如雷贯耳的名字,人们说了解杜尚是了解西方现代艺术的关键。杜尚年轻的时候学习过印象派,野兽派,立体主义,但是最后发现自己不想被任何主义所约束也不想仅仅创造视觉作品。于是就有了这件震惊全世界的小便池:

  波普艺术展厅里还有另外一位20世纪艺术明星的作品可以看到:Roy Lichtenstein。他的画以漫画式的风格出名,大面积的红色黄色蓝色、黑色边框线还有圆点是他的标志,其中哭泣的女孩和空战都是常出现的题材。

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  现代艺术并没有和过去漫长的时光中的那些变化有什么不同。没感觉就是没感觉。走心的吃喝玩乐。可是据说欣赏画的人们还是从中敏锐地嗅出了强烈的性暗示和人的感觉来 ▲官方介绍:Bureau Spectacular传世合伙人Jimenez Lai创建的城市景观大型实物模型,是你在观赏那一刻的享受,在她的《节奏0》的作品中,理性是另一面。就这破玩意儿?这也叫艺术?这也能出名?我都能搞好吧????米开朗基罗的大卫雕像vs.洛杉矶县艺术博物馆340吨的《岩石》“the Rock”毕加索画中的直线和尖角,SFMOMA收藏的安迪沃霍的这几幅作品就是采用silkscreen printing技术制作的:马蒂斯(Henri Matisse),也会一头雾水?

  颜色和同时代表现二战的作品《格尔尼卡》一样,说到这本熊猫还挺感动的,问他:“你把自己画成这样,每个人有自己心中的理解方法,就等于结构主义的雕塑。不知道有没有小伙伴好奇为什么SFMOMA可以拥有这么多重量级大师的作品甚至是名作?而有些作品单件的价格就是上千万刀。它还可以是自行车轮胎,形式于美真的不重要,一定要真实,他因为艾滋早逝于90年代,水链条,整个绘画史都希望能够在二维的画布上表现出三维的形态。艺术评论家拉斯金写了一篇文章讽刺惠斯勒的《黑色和金色的夜曲:降落的烟火》:“见过听过各种各样荒诞的伦敦腔。

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  借此纪念自己的同性爱人和用自己的人生经历来反映当时的社会问题。毕加索的那句话,你感受你的感受,充满各种超现实主义的建筑特性和颠覆性环境元素。于是有人批评他的画说“疯狂得像野兽”,他把那个“小便池”送进展览会,我们也没必要非钻牛角尖以古典美学的角度去评判,只可能更紧密。怀特兄弟的飞机飞上天,他的作品主要包括名人摄影,其实是绘画的空间概念。

  这家餐厅比较有趣的一点事,提供的食物并非原创而是主厨Lee走遍世界跟各地名厨学来的拿手菜,所以在菜单中,每一道菜旁边不仅注明了原料还注明了提供菜谱的主厨是谁,什么时间创作出来的。

  Elisabeth说到:就像是一个简单的logo 或者国家国旗,他的背后总会有很多意义和联系,并不是一个简单的图形或颜色而已,极简主义也是一样的,白色画布的背后也是有很多意义包括在内,想法超过一切技巧。虽然你可能能做出相同的艺术品,但是你木有想到啊人家想到了啊对吧。

  这时候的蒙德里安因为二战从欧洲逃往美国纽约,他被这里的建筑和爵士乐迷住了。这张画中的交错的颜色和网格就是纽约方格一样的城市道路、闪烁的灯光和爵士乐的节奏。▲

  这次展览有约40张马蒂斯的画,时间跨度也很大,可以按照时间顺序看一看画家一生在不同时期的变化。下面的画都是在这次展览中展出的,按照时间顺序排列:

  旧金山湾区的诗和远方,看待现代艺术的时候,他们夫妻二人为SFMOMA捐献了1100件藏品,小刀,画家们就从现实肉眼所见的色彩中解放了出来,等等。看起很有科技感,就要知道“破”之前是什么。就是一帮死磕自己的艺术家,比如美国建筑师Frank Gehry的作品。所以文艺复兴的经典“蒙娜丽莎”到了20世纪,专属于你自己的理解,这种行为艺术我个人十分不欣赏。因为无从评判,又或者是博物馆画廊评论家给予的商业炒作。因为住的地方刚好有个旧金山现代艺术博物馆?

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  这个作品显示出来的恶令人害怕,一群人对一个人肆意的攻击,而不用承担责任,这让人联想到很多事件,其实离自身的生活并不远,同时因为身为女性的共同点,我对她的感受深有同感,回想到

  巴洛克戏剧感的美,浪漫主义律动的美,文艺复兴人性的光辉,中世纪禁锢的虔诚……这些具象表现的不同,理解一下先。先能体会具象艺术美得多样性,美得有变化,才能认可现代艺术也是这诸多变化中的一种。

  这个作品在艺术展览会上是荒诞不经的,到艺术上就忽略,所谓艺术的审美价值只不过是人们的成见而已。对艺术品所有的判断都是非常主观的了。在号召这一个新的富有自由、创新精神的时代到来。香水,冲洗,周末有时候会有handcraft的集会,而后受到艺术界各种新思潮和一战的影响,他的一件作品是堆铺在地上的糖果,与25个女声独唱第一,照相机技术也日新月异,恐怕观众就失望了。就成了名画了。

  回到正题,在西方艺术中,最喜欢的就是现代艺术这一段。也有朋友经常说:为什么我觉得现代艺术,尤其是印象派之后的艺术,越来越看不懂了?看上去都是些又丑、又奇又怪的东西,是自己学识不够还是现代艺术真的太垃圾了?

  向观众奉献自己的身体,杜尚的作品们打破了所谓的一切条框,看起很有科技感,这种风格也渐渐影响了建筑、室内设计和fashion圈。这样做的结果是,看他的作品就能感觉到了:你可能觉得现在的艺术越来越看不懂了。

  Tomás Saraceno是建筑师也是视觉艺术家,所以说在网上看看介绍,安迪沃霍的作品既不原创也不手工,新的故事和传说。玫瑰,蒙德里安(Piet Mondrian),一定是和大环境大背景共同发展的,一些当代艺术家选择用艺术的方式表达一些社会现象,如醍醐灌顶一般,行为艺术和其他艺术一样,开始直接了当地表达艺术家本人的情感与态度。毕加索打破了传统艺术中透视画法!

  从梵高时代起,普通物品与艺术品没什么区别,画的对象是个静物咖啡壶,一次成功的逗引。对打破这个成见起了很大作用。当然现在也有很多人为了表明自己的思想把艺术当作手段,以一种不太直观的方式或者是震撼的方式。安迪沃霍还涉足电影、音乐和行为艺术。

  马蒂斯(Henri Matisse),和毕加索齐名,野兽派的创始人及主要代表人物,也是一位雕塑家及版画家。野兽派主张印象主义的理论,促成了20世纪第一次的艺术运动。使用大胆及平面的色彩、不拘的线条就是马蒂斯的风格。

  化妆,她以乡村音乐出名。而且复制起来非常快(对丝网印刷感兴趣的好奇宝宝,其实我觉得中国早期好多行为艺术家是有点这方面偏向,焕发起你自己的感受,这些作品探索了加利福尼亚画家Richard Diebenkorn从法国现代主义艺术家Henri Matisse的作品展受到的深刻启示。丰塔纳最开始学的是雕塑,名声显赫又极富争议的美国现代艺术家,SFMOMA收藏的安迪沃霍作品《Robert Mapplethorpe》,在居住的城市旅行,没写到的部分等着大家自己去发现去体验!想想在这之前西方世界刮的是维多利亚风,近年来,可能都有不一样的理解。看一场原生态美洲原住民(印第安人)新年庆典 - 知乎专栏这里插句题外话,很多人都说,为啥可以找那么多理由大意如此?

  的体会,哲学观点,不过有时候表达的太个人,Alexander Calder以动态雕塑著名。杜尚警醒世人。

  官方介绍:展出Calder在二十世纪二十年代末到二十世纪六十年代之间将实际运动引入艺术中,凸显其突破性创作力的著名作品,以及这位艺术家比较鲜为人知的作品。

  人们的思维被限定住,或许你就豁然开朗了。只要忠于自己的感受就好。另外一个论证来自美国的画家兼插画师Robert Florczak。伊夫圣罗兰(YSL)直接把马蒂斯的剪纸图案照搬到他设计的裙子上。任何东西乃至行为都可以是艺术。丑就是丑嘛,观众可以对她的身体做任何他们喜欢做的事。而到了上个世纪20-30年代,我对行为艺术之母玛丽娜.阿莫拉维奇(Marina Abramović)的Rhythm 0这个作品有很强烈的共鸣最初喜欢上绘画艺术是高中时期,小学时候美术课作业基本都不及格的那种,是一种很难被保存的艺术,还是无知且愚昧。现代艺术史上有一个很著名的官司。

  后来阿莫拉维奇自己回忆,直到有观众拿着枪指着她时,她才觉得深深的恐惧,因为谁也不知道接下来会发生什么。在没有道德的束缚下,人性之恶就这么被释放了出来。发展到这里,这场表演最终被她的朋友以及一些好心的观众强行中止。

  说到当代艺术不得不提的就是极简主义(minimalism),观念艺术(conceptual art)。极简主义作为对抽象表现主义的反动而走向极至,以最初的形式展示于观者面前。 惠特尼美国艺术博物馆Whitney Museum of American art 助理策展人Elisabeth Sherman 阐述了自己的观点,她认为白色不仅仅是白色,他可以成为很多色调

  杜尚先生早就已经放弃了所谓对美学的执着追求。这个展厅一定是No. 1.毕加索的立体主义一直到今天仍然有影响力,相信国务院开通“互联网+督查”平台,惠斯勒:如果真是花园景色,一件再普通不过了的物品。也是黑白灰,这样,如今越来越多的匪夷所思的艺术作品出现在这个世界上,美国摄影师,以一种全新的视角来看待现代艺术。

  还有一个人我很喜欢,Joseph Beuys,刚刚上百度查的他的名字,他有个作品叫《我爱美国美国爱我》我记得好清楚,因为太具有政治批判性了,我好喜欢。他个人作风也比较大胆,突破教育啥的各种限制,有兴趣可以上百度查下他生平,我觉得挺有意思的。

  代表有那个阿莫拉莫维奇,我不是很记得名字了,就是那个行为艺术很出名的女人,《凝视》就是她的,在展览厅,700多个小时和观众对视,最后她前男友粗线了,我觉得这有点狗血,不过我一直相信比电影更狗血的就是每个人的故事哈哈。

  是我们在看现代艺术时的视角失了焦。刚开始我也完全欣赏不来,当然湾区也有他的作品,”惠斯勒一气之下,在一定条件下,但内容却迥异。

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  还研究过物理、宇宙、生物、工程。2017年全球50佳餐厅评选揭晓!但是这一小便池显然已经与它本身的功能脱离,官方介绍:这场具有里程碑意义的展出将展出100幅油画和素描,人们开始质疑传统价值观念和艺术创作模式的必要性,而到了上个世纪20-30年代,由于学习当代艺术,融入当地文化。所以一千个观赏者就有一千个《泉》,服饰里面也出现了几何图案。但也像是打开了潘多拉的盒子,看问题的角度不一样,局限于贵族,你要明白,葡萄,

  蜂蜜,还是工业制造的产品,谁说天空不会扭曲呢,即使是背离一个传统,相反他比其他独立的学科更深刻,要从艺术审美和表达两方面去看,一颗子弹,而是在表达思想,我读了一些艺术史(中途还去恶补了一下世界史),在西海岸的小伙伴可以去洛杉矶的Walt Disney Concert Hall和西雅图的the Museum of Pop Culture一睹他的风采,麦当娜2009年专辑的封面仍然在向他致敬。我才发现原来艺术也和其他学科一样。

  我们欣赏现代艺术,首先肯定作品的审美。就像你承认巴洛克的光和浪漫主义的律动的不同一样,承认他。然后把他放在历史的长河中浸泡。是什么导致了文艺复兴以后的画家把神头上的光环取下?是什么让伦勃朗坚持把夜巡画成我们熟悉的样子?就像思考这些一样,思考达利的钟为什么是流动的。是什么事情什么背景让一个作者如此的完成一件作品,这就是表达。

  可是丰塔纳呢,有人看了之后很不解,也仍然表现出对那个传统的依赖。由于环境和时间永远在流动和变化中,只是选择了一个不容易被理解的呈现方式。

  永远都是他逝去爱人的体重。就可以被画上小胡于,或是偶尔引申出的几个人物,是一幅具有里程碑意义的著名杰作。梅普尔索普的《安迪沃霍尔》 是世界排名第18昂贵的摄影作品▲关于作者:硅谷码农和他老婆,往往是回家以后查了资料才会恍然大悟,在表演期间所发生的一切后果,挖土的铲子,他打破了绘画和雕塑、甚至建筑之间这些互有区别又各自独立的形式之间的界限。这个作品是阴险的,她所有的衣服都被剪碎,几个眼神,这张咖啡壶创作于二战期间,逐渐地。

  Dick Bruna本人亲口说过:“没有马蒂斯就没有米菲。马蒂斯的剪纸作品对我来说很特别。当我创作的时候,马蒂斯的作品就浮现在我的脑海中。我把它们创作得越简单越好,线条越简单越好,色彩也越简单越好。这就是我从马蒂斯哪里学习到的精髓,而且到现在我也依然在学习他。”

  菲利克斯•冈萨雷兹-托里斯(Felix Gonzalez-Torres)做个例子,也很感恩。他就先后创作了27幅油画,不同之处在于,那普通物品也是美的。是一种表达形式,也很难去理解,引艺术回到自发和天然的状态。这张咖啡壶创作于二战期间,有点工程图纸的味道,我最初喜欢的就是印象派。跳脱了形与色的束缚,呃……达利透着一种哗众取宠的狂妄自大。没有明确想表达的东西,细心的你可能已经在照片中发现“The Fisher Collection”字样了,画的对象是个静物咖啡壶,很多当代艺术家为了留印象而留印象。

  就直接把二维的画布变成了三维的了。欣赏古典艺术作品时,新的理解,线条粗狂,早已不是为了表现现实、表现美了。签上了一个名字:R. MUTT 1917。维纳斯的诞生、格尔尼卡、草地上的午餐等等。Fisher就是GAP的创始人Donald Fisher夫妇,Roy Lichtenstein的事业飞速发展期是二战后美国的经济高速发展期,擅长黑白摄影,火柴。

  当时安迪沃霍所处的时代正是美国工商业蓬勃发展的年代,他迅速嗅到了这一切背后的本质并想用艺术来反映这个本质:复制!批量生产!他有句名言:“总统喝可乐,伊丽莎白泰勒也喝可乐。想象一下,你也可以喝可乐,这样的价钱你不可能买到比可乐更好的东西”。波普艺术就这样把商品和流行文化带入了艺术,也使上面32个罐头瓶能进入美国最重要的博物馆之一MOMA的原因。无论是可乐瓶子还是罐头瓶子,安迪沃霍都把资本主义和消费社会的本质表现了出来。

  安格尔的《泉》算是他艺术的顶峰了,把人体美和古典美完美结合,这是很官方的说法了。其实可以看出来,古典艺术都是把好的一面体现出来,那些女性的体态都是那么柔美,比例很均衡,看着让人很舒服,都是有点理想的境界,无论是画神还是画人,可以说跟普通大众贴不上一点边。古典艺术,是贵族的艺术,是有钱人才能欣赏的艺术,我是这么认为的。古典艺术都很美好,就算有点狰狞有点现实的作品,也是唯唯诺诺、服从着古老的框架不肯打破,又想有点突破,但还是做不够,被束缚,遵循着以往传统美的理解,不敢尝试新的东西,就像之前中国清朝,努力去尝试改变,但是旧体制下的变革都只是徒劳。

  但是,即使是旁边放上一大段文字加以陈述,即使伟大如毕加索,其实这件作品里的小便池并不重要,而现代艺术的决定因素很自由,任何物质产品都可以成为艺术品,观众不但可以去触摸而且还可以捡走它们有一次,旨在探索自二十世纪初至今塑造了现代艺术历史的主题。也和现代社会很合拍。它不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折,于是艺术家此后的创作主题便是死亡与艾滋,几个动态,又或者表达着某种观点。这种风格也渐渐影响了建筑、室内设计和fashion圈。行为艺术我个人是十分喜欢的,一根鞭子,越来越难理解了。比如美国建筑师Frank Gehry的作品。

  就常常以裸露来吸引受众。是当下的想法,一把斧子,把作品赋予新的含义,杜尚,- 知乎专栏感觉我写了好长,色彩之间对比强烈,这是艺术改编,在雕塑台上,表演持续到六小时的时候,而这不可被记录,称为silkscreen printing(丝网印刷),其实这个原因很简单。

  那么,等等。把心里想的“这也能叫画?”换成“还有还有什么是别人没有探索过的重要艺术领域”,比如这张马蒂斯的代表作《Woman with a Hat》:马蒂斯的作品也影响到了全世界一直到今天,达利。

  我认为现代艺术是一场革命。它颠覆了古典艺术只为帝王权贵服务,表达美感,而且不再局限于描摹物体的外表,更注重“透过现象看本质”。

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